1. А.Н.Скрябин

2. С.С.Рахманинов

3. И.Ф.Стравинский

4. С.С.Прокофьев

5. Д.Д.Шостакович

7.Г.В.Свиридов

8. В.А.Гаврилин

9.М.Л.Таривердиев

10.А.В.Александров

11.А.И.Хачатурян

12.А.П.Петров

РУССКИЕ КОМПОЗИТОРЫ ХIХ — ХХ ВЕКА.

Творчество русских композиторов конца 19-го — первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к «национальной» принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 — 1915)

Александр Николаевич Скрябин — русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры. Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.

Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности. Вначале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке — как концертирующий пианист — композитор гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.

Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония («Божественная поэма»), симфоническая «Поэма экстаза», «Трагическая» и «Сатаническая» фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения. «Поэма экстаза», состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в «Поэме экстаза» колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.

Ещё одним шедевром Скрябина является «Прометей» («Поэма огня»), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эффектов.

Последняя незаконченная «Мистерия» была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.

Цитата А.Н.Скрябина: «Иду сказать им (людям) — чтобы они… ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать… Иду сказать им, что горевать — не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его.»

Цитата о А.Н.Скрябине: «Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим». Г. В. Плеханов.

Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 — 1943)

Сергей Васильевич Рахманинов — крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом «самый русский композитор», подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассицизм, — и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение — поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра.

В 1917 году Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последние сочинения — Симфония № 3 (1937) и «Симфонические танцы» (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.

Цитата С.В.Рахманинова: «Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире.»

«Самое высокое качество всякого искусства — это его искренность.»

«Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия — это музыка, главная основа всей музыки… Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, — главная жизненная цель композитора. По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран».

Цитата о С.В.Рахманинове: «Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото — в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека.» И.Гофман

«Музыка Рахманинова — это Океан. Его волны — музыкальные — начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают… что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание». А.Кончаловский

Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)

Игорь Фёдорович Стравинский — один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма. Стравинский стал «зеркалом» музыкальной эпохи, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинирует жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.

Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным — серия трёх балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.

В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР). Стравинский — космополит, вынуждено сменив несколько стран — Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США. Его творчество разделяют на три периода — «русский», «неоклассический», американский «серийного производства», периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому «почерку».

Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.

Последнее высшее достижение Стравинского — «Реквием» (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.

В творчестве Стравинского выделяется одна уникальная черта — «неповторяемость», недаром его называли «композитором тысячи одного стиля», постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета — каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это — в ее скрытой природе»

Цитата о И.Ф.Стравинском: «Стравинский — истинно русский композитор… Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного… » Д.Шостакович.

Сергей Сергеевич ПРОКОФЬЕВ (1891—1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев — один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер. Родился в Донецкой области, с детства приобщился к музыке. Прокофьева можно считать одним из немногих (если не единственным) русских музыкальных «вундеркиндов», с 5 лет занимался сочинением музыки, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был Н.А.Римский-Корсаков.

Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля, парадокс в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма.

С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году.

Страна изменилась и «свободное» творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Талант Прокофьева расцвел с новой силой — он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам — острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы.

Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева: «Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…»

«Я — проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному»

Цитата о С.С.Прокофьеве: «… все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им «девятерные» шахматы — доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 — 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович — один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения — это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.

Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом — так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже вначале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.

До определённого периода, а именно до постановки оперы «Леди Макбет Мценского уезда», Шостакович творил как свободный художник — «авангардист», экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.

Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насыщенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.

Несмотря на то, что сам Шостакович был «домашним» композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди. Цитата Д.Д.Шостаковича: «Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи».

Гео́ргий Васи́льевич Свири́дов (1915 – 1998)

Родился(3 декабря 1915, Фатеж, Курская губерния — умер 6 января 1998, Москва) — советский и российский композитор, пианист. Народный артист СССР (1970). Герой Социалистического Труда (1975). Лауреат Ленинской премии (1960), Сталинской премии первой степени (1946), двух Государственных премий СССР (1968, 1980) и Государственной премии РФ (1994).

Далёкие предки композитора были выходцами из Воронежской губернии.Георгий Васильевич Свиридов родился в городе Фатеж, ныне Курской области. Его отец был почтовым служащим, а мать — учителем. Отец, Василий Свиридов, сторонник большевиков в Гражданской войне, погиб, когда Георгию было 4 года.

В 1924 году, когда Георгию было 9 лет, семья переехала в Курск. В Курске Свиридов продолжал учиться в начальной школе, где началось его страстное увлечение литературой. Постепенно на первое место в кругу его интересов стала выдвигаться музыка. В начальной школе Свиридов учился играть на своём первом музыкальном инструменте — балалайке. Учась подбирать на слух, он демонстрировал такой талант, что был принят в местный ансамбль народных инструментов. С 1929 по 1932 год он учился в Курской музыкальной школе у Веры Уфимцевой и Мирона Крутянского. По совету последнего в 1932 году Свиридов переехал в Ленинград, где занимался по классу фортепиано у Исайи Браудо и по классу композиции у Михаила Юдина в Центральном музыкальном техникуме, который он окончил в 1936 году.

С 1936 по 1941 год Свиридов учился в Ленинградской консерватории в классе композиции П. Б. Рязанова и Д. Д. Шостаковича. В 1937 году был принят в Союз композиторов СССР.

Мобилизованный в 1941 году, спустя несколько дней после окончания консерватории, Свиридов был отправлен в Ленинградское военное училище воздушного наблюдения, оповещения и связи (ВНОС), перебазированное в августе 1941 в город Бирск Башкирской АССР, но в конце года был комиссован по состоянию здоровья.

До 1944 года жил в Новосибирске, куда была эвакуирована Ленинградская филармония. Как и другие композиторы, он писал военные песни, из которых самой известной стала, пожалуй, «Песня смелых» на стихи А. Суркова. Кроме того, он писал музыку для спектаклей эвакуированных в Сибирь театров, в том числе к музыкальной комедии «Раскинулось море широко» (1943), поставленной в находившемся в Барнауле московском Камерном театре.

В 1944 году Свиридов возвратился в Ленинград, а в 1956 году поселился в Москве. Писал симфонии, концерты, оратории, кантаты, песни и романсы. C 1957 года член правления Союза композиторов СССР, в 1962—1974 годах секретарь, в 1968—1973 — первый секретарь правления Союза композиторов РСФСР. Депутат Верховного Совета РСФСР 7-го, 8-го и 9-го созывов.

В июне 1974 года на Фестивале русской и советской песни, проходившем во Франции, местная печать представила Свиридова своей искушённой публике как «наиболее поэтичного из современных советских композиторов».

В последние годы Свиридов много болел. 6 января 1998 года он скончался от остановки сердца. Свиридов был похоронен на Новодевичьем кладбище.

Сочинения:

Сюита «Время, вперёд!» (1965) музыка к одноимённому кинофильму М. Швейцера — тема заставки программы «Время», выпуска новостей СССР.

Гаврилин Валерий Александрович (1939 – 1999)

Закончив 7 классов средней школы, поступил в Вологодское музыкальное училище на дирижёрско-хоровое отделение. В это время в училище работала Государственная экзаменационная комиссия, возглавляемая доцентом Ленинградской консерватории И. М. Белоземцевым, который его прослушал и рекомендовал к поступлению в Ленинградскую Специальную музыкальную школу-десятилетку при консерватории. В 1953 году был принят в эту школу в класс кларнета (педагог М. А. Юшкевич) в 7-й класс и сразу же стал заниматься композицией у С. Я. Вольфензона и игрой на фортепиано у Е. С. Гугель.

В 1958 году поступил в консерваторию, которую окончил в 1964 году по специальности музыковеда-фольклориста (руководитель — профессор Ф. А. Рубцов) и по классу композиции профессора О. А. Евлахова. У него же, после окончания консерватории занимался в аспирантуре.

С 1964 года вёл класс композиции в Музыкальном училище при Ленинградской консерватории. С 1965 года — член СК СССР.

Похоронен в Санкт-Петербурге на Литераторских мостках Волковского кладбища. Вологодская филармония носит имя Гаврилина.

Сочинения:

Балет:

«Анюта», либретто А. А. Белинского по А. П. Чехову, постановка В. В. Васильева (1982)

«Тараканище», симфоническая сюита (1963)

Музыка к спектаклям (36):

Песни для голоса и ф-но, произведения для хора («Перезвоны») и инструментального ансамбля.

Таривердиев Микаэл Леонович (1931 – 1996)

Родился в армянской семье. Учился в музыкальной школе-десятилетке при Тбилисской консерватории по классу фортепиано, в музыкальном училище Тбилиси по классу композиции профессора Шалвы Мшвелидзе.

Окончил Институт имени Гнесиных (1957, педагог Арам Хачатурян).

В кино — с 1958 года («Юность наших отцов»), оформил 134 фильма (игровых, анимационных и документальных).

Автор оперы «Девушка и смерть» (по М. Горькому, 1975); музыки для органа, 10 хоралов «Подражание старым мастерам», фортепианного трио, цикла пьес для фортепиано, скрипичных концертов, вокальных циклов на стихи Л. Н. Мартынова, А. А. Вознесенского, Б. А. Ахмадулиной, М. И. Цветаевой, музыки для театра.

Театральные работы

«Прощай, оружие!» 1966 год, театр ЛЕНКОМ, режиссер А. Гинзбург

«Герой нашего времени» 1966 год, Театр на Таганке, режиссер Ю. Любимов

В 1997 году вышла книга композитора «Я просто живу».

Умер 25 июля 1996 года в сочинском санатории «Актёр», похоронен на Армянском кладбище Москвы.

Призы и награды

Лауреат Государственной премии СССР (1977 — за музыку к фильму «Ирония судьбы, или С легким паром»).

Орден Трудового Красного Знамени (1982) — за заслуги в производстве советских телевизионных фильмов и активное участие в создании фильма «Семнадцать мгновений весны».

Александр Васильевич Александров (1883 – 1946)

Алекса́ндрВаси́льевичАлекса́ндров родился 1 апреля 1883, с. Плахино, Рязанская губерния, Российская империя — умер 8 июля 1946, Берлин, Германия — советский российский композитор, хоровой дирижёр, хормейстер, педагог. Народный артист СССР.

Дата и место захоронения: Новодевичье кладбище, Москва

Музыкальная группа: Ансамбль песни и пляски Российской армии имени А. В. Александрова (1928 г. – 1946 г.)

Сочинения:

Автор музыки Гимна России

Песни

Катюша

Смуглянка

Гимн России

Шли солдаты

Марш Будённого

Журавли

Арам Ильич Хачатурян (1903-1978)

Армянский композитор, родился 24 мая (6 июня) 1903 в Тифлисе (ныне Тбилиси, Грузия). Он был четвертым сыном в семье бедного ремесленника.

В детстве и отрочестве не выказывал особого интереса к музыке, но в возрасте 19 лет отправился в Москву в надежде стать музыкантом и в 1922 поступил в музыкальный техникум им. Гнесиных. Он занимался на виолончели, а затем перешел в класс композиции.

Творческое становление Хачатуряна-композитора проходило в Московской консерватории в классах Н.Я.Мясковского и Г.И.Литинского (1929-1934). Такие сочинения, как Трио для кларнета, скрипки и фортепиано (1932) и Первая симфония (1934), сразу обнаружили и выдающееся мелодическое дарование Хачатуряна, и его тяготение к артистичному и естественному соединению восточных народных мелосов и ритмов с традиционными европейскими формами. Среди его произведений — ряд концертов для солирующих инструментов с оркестром; Вторая симфония (1943); два тематически связанных балета — Счастье (1939) и Гаянэ (1942), балет Спартак (1954). На основе балета Гаянэ, были составлены три оркестровые сюиты, одна из которых включает всемирно известный Танец с саблями; еще одна популярная сюита состоит из фрагментов музыки к спектаклю Малого театра «Маскарад» по драме Лермонтова.

Много написал интересных произведений для фортепиано для детей.

ПЕТРОВ АНДРЕЙ ПАВЛОВИЧ (1930 – 2006)

Родился 2 сентября 1930 года в Ленинграде. Во время Великой Отечественной войны вместе с семьёй был эвакуирован в Сибирь. По словам Андрея Петрова, решение стать композитором он принял в 1945 году под впечатлением от кинофильма «Большой вальс» об Иоганне Штраусе.

Окончил музыкальное училище имени Н. Римского-Корсакова (1945—1949), а затем Ленинградскую государственную консерваторию по классу композиции (1949—1954). Ученик Ореста Александровича Евлахова

Работал преподавателем в музыкальном училище. В 1954—1958 гг. — редактор Ленинградского отделения издательства «Музыка».

Творчество Андрея Петрова очень многообразно. Ему принадлежат как популярные мелодии к кинофильмам, музыка к песням и романсам, так и произведения серьёзной (академической) музыки — балеты, оперы, симфонии, инструментальные концерты.

С 1955 года А. П. Петров являлся членом Союза композиторов СССР (с 1965 — секретарь правления СК РСФСР и СК СССР). Долгие годы он был председателем правления Ленинградского отделения Союза композиторов РСФСР (1964—1991) Избирался народным депутатом СССР.

Скончался 15 февраля 2006 года. «Он ушёл, оставив нам свою музыку. Искреннюю, страстную, легкую, чистую»

Об Андрее Петрове был снят документальный фильм «Гений музыки для всех».

В своем творчестве А. Петров развивал традиции русской классической музыки, а также Д. Шостаковича, который писал: «Меня восхищает его плодотворная работа в разнообразных жанрах. А. Петров обладает яркой композиторской индивидуальностью….»

Сочинения:

1. Произведения для музыкального театра:»Сотворение мира», балет; «Пётр Первый», музыкально-драматические фрески (опера); «Мастер и Маргарита», балет; «Капитанская дочка», мюзикл.

2. Оркестровые и вокально-оркестровые произведения:»Пионерская сюита» для оркестра; «Поэма» (Памяти погибших в годы блокады Ленинграда); «Синяя птица», симфоническая фантазия.

3. Камерные вокальные и инструментальные произведения: Романсы на стихи башкирских поэтов X. Карима и М. Карима.

4. Музыка к драматическим спектаклям: «Болдинская осень».

Премии:

1967 — Государственная премия СССР — за песни написанные в 1964—1965 годах: «Песня о моём отце», «Голубые города», «Песня о друге», «На кургане», «Я шагаю по Москве».

1995 — Государственная премия Российской Федерации в области литературы и искусства — за симфонию-фантазию «Мастер и Маргарита» и концерт для фортепиано с оркестром.

Приз «Золотой диск» фирмы «Мелодия»

Награды и звания:

Орден «За заслуги перед Отечеством» III степени (2 сентября 2005) — за большой вклад в развитие отечественной музыкальной культуры и многолетнюю творческую деятельность

Орден «За заслуги перед Отечеством» IV степени (29 августа 2000) — за большой личный вклад в развитие отечественного музыкального искусства

Андрей Петров написал музыку к более чем 80 кинофильмам:

«Белый Бим Чёрное ухо»; «Служебный роман»; «Гараж»; «Осенний марафон»; «Вокзал для двоих».

сценическая речевая культура — в коммуникации сценической. Новизна исследования заключается в том, что мы акцентируем внимание не на языке (как в лингвистике), не на обмене информацией (как в психологической антропологии), а на культурно установленных речевых образцах — парадигмах сценической речевой культуры. Выявление парадигм сценической речевой культуры ХХ столетия представляется исследованием, соотносящим речевой культурный образец с социокультурным контекстом коммуникативной ситуации.

Примечания

1 Орлова, Э. А. Культурная (социальная) антропология / Э. А. Орлова. — М. : Акад. проспект, 2004. — С. 213.

2 Там же. — С. 213-214.

3 Там же. — С. 217.

4 Там же. — С. 191.

Р. М. Шамаева

КРЕАТИВНОСТЬ МУЗЫКИ В КУЛЬТУРЕ XX — НАЧАЛА XXI ВЕКА

В статье рассматривается функционирование музыки в современной культуре. Креативность представлена как атрибутивное свойство музыкального бытия, выступающее творчески-созидательным фактором культуры. Интерпретация музыкального бытия в контексте четырех взаимосвязанных аспектов креативности позволяет видеть в музыке культуротворческий феномен. Осмысление процессов формирования, аккумулирования, трансляции художественных ценностей в музыкальной культуре ведет к новому пониманию креативной функции музыки в культуре как на личностном, так и на надличностном уровнях.

Ключевые слова: музыкальная культура, креативность, креативный процесс, креативная среда, креативный продукт, креативная личность.

Сегодня, когда культура находится в состоянии переходности, как никогда необходимо осмысление фундаментальных оснований, смыслополагающих установок, векторов поиска новых ростков духовного становления человека. В век информационных технологий мы в полной мере ощущаем интенсивность развития постиндустриального общества. В погоне за техническим прогрессом человечество без оглядки уносится в вихре времени, требующего от него рациональных решений, получения результата в мобильном режиме. При этом совсем исчезает из поля зрения факт постепенной утраты важных, ключевых опор духовного континуума человека и его гармонии с окружающим миром.

В увеличивающемся многообразии форм культуры музыка остается устойчивым, сохраняющим свои функции и значение феноменом. Специфика ее как элемента художественной культуры, как феномена культуры в целом, ее возможности в процессе становления, развития человека как субъекта и объекта культуры, субъекта культуротворчества, представляются значимыми проблемами для культурологии и ряда других областей знания. Проникая во все сферы человеческого бытия, музыка становится аккумулирующей средой, преобразующей как ее саму, так и культуру в целом.

Среди атрибутивных характеристик музыкального бытия можно выделить креативность, коммуникативность, интегративность, синкретизм. В этом ряду мы выделяем креативность как имманентное свойство музыкального бытия, выступающее творчески-созидательным фактором в культуре, способствующим художественному освоению мира. Это имеет особое значение в условиях становления новой мировоззренческой парадигмы глобальной креативности. По мнению В. А. Яковлева, «философская рефлексия фиксирует идею глобальной креативности как звено в цепи мировоззренческих парадигмальных установок прошлого: фиксизм — мобилизм -циклизм (античность), креационизм (средневековье), эволюционизм (новое время), креативизм (постмодерн)»1.

Креативность (от лат. create — творить) — порождающая способность, характерная черта творческой личности, процесса, продукта, проявляющаяся в изменении универсума культуры, опыта индивида, или социальной значимости2. Среди различных трактовок креативности обращают на себя внимание:

• Гештальттеория, трактующая креативность как целенаправленную трансформацию проблемной ситуации в целом.

• Диалогическая теория культуры, согласно которой креативность порождает культурные ценности посредством интеракции личностей, личностей и вещей, социальных групп и общества.

• Экзистенциализм, понимающий креативность как коммуникацию индивида с окружающей средой.

Взаимодействие гельштаттеории и экзистенциалистских идиом в русле диалогической теории в музыкальной культуре ведет к новому пониманию мира человеком, продуктивному развитию самого субъекта, делает его открытым миру, порождает культурные ценности.

Музыкальное бытие, являясь бытием-творчеством, включает в себя следующие формы: музыка как творческая деятельность; музыка как произведение искусства, «акустическое событие» (термин К. Блаукопфа); музыка как звуковая реальность, творческая реальность. Музыкальное бытие — основа музыкальной культуры.

Представленные формы музыкального бытия могут быть проинтерпретированы через взаимосвязь четырех аспектов креативности, в разное время предложенных Р. Муни и А. Штейном: кративный процесс, креативный продукт, креативная среда и креативная личность3.

Креативный процесс. В музыкальном бытии креативный процесс осуществляется через связь и взаимовлияние всех выделенных аспектов (на всех уровнях -сочинения, исполнения, восприятия), в результате чего рождаются новые культурные ценности (креативные продукты), новая культурная среда (креативная реальность) и происходит изменение самого индивида (креативной личности). Подобной позиции придерживается Л. И. Левин, определяя музыкальную деятельность, как основу музыкальной культуры, включаясь в которую — в качестве композитора, исполнителя или слушателя, — человек при помощи музыкально-интонацонных комплексов вступает в контакт и диалог с художественной культурой (а тем самым и с духовной культурой общества в целом), обогащая ее новыми ценностями либо осваивая ценности, содержащиеся в ней, но всегда при этом изменяясь в направлении тех норм и ценностных систем, которые выдвигает перед собой общество4.

Под креативным продуктом мы понимаем новые стили в искусстве, произведения музыкального искусства, учитывая при этом, что в процессе сочинения музыки композитором воплощение замысла неизменно приводит к его частичному изменению. Музыкальное произведение как креативный продукт включает и те элементы,

которые возникают спонтанно в процессе сочинения, помимо сознательного намерения автора. В результате возникает некий «побочный продукт», который может оказаться определяющим для внутреннего смысла художественного творения. Подлинно художественное произведение должно содержать творческую находку, изобретение, новую конструкцию, несущую соответствующий образно-выразительный смысл. Для обозначения этого Л. А. Мазель использует термин «художественное открытие». Под художественным открытием понимается воплощенное в произведении некоторое новое видение, познание каких-либо сторон действительности или выразительных возможностей художественных средств5. Новое произведение искусства выдвигает новые требования: к исполнителю (возникает необходимость в новых инструментах, новых средствах исполнения, в новом звучании); к слушателю (меняется восприятие, оно становится более утонченным, требующим от слушателя повышенного напряжения, готовности приятия новых звучаний, даже самых неожиданных).

Креативная среда: «… музыка конструирует другой мир, без законов и без основания. И уже по одному этому она есть особое мироощущение, не сводимое и не переводимое ни на какое другое мироощущение и другой язык»6. Музыка — художественный способ познания мира. Музыкальное бытие — аккумулирующая среда, в результате креативной деятельности субъектов (композитора, исполнителя, слушателя), рождаются новые культурные формы, создаются духовные ценности, креативные продукты. Креативная среда, в свою очередь, формирует требования к продукту творчества. Музыкальное произведение изменяет облик музыкальной культуры, что, в свою очередь, побуждает к созданию новых креативных продуктов, активизирует музыкальную деятельность. Креативный продукт (все музыкальное произведение целиком, включая и «побочный продукт»), встраиваясь затем в культуру данной эпохи, начинает функционировать в ней, активно воздействовать на уже существующие элементы культурной среды.

Креативная личность — это и композитор, и исполнитель, и слушатель. Креативность есть сила, обеспечивающая самопродвижение индивида в его развитии, она функционально закрепляется в структуре личности и проявляется как способность к продуктивному изменению и созданию качественно нового, определяя тем самым творческий стиль самой деятельности. В значительной степени креативность связана со способностью к воображению, которое способствует творческому освобождению человека для создания альтернативной эстетической реальности, возвышающей его над эмпирическим бытием, бытием — в — мире. Способность музыки к такому возвышению человека, прежде всего, связана с высокими ее образцами. Высокие искусство развивает у человека свободу мысли, будит воображение; воображение порождает эстетическую реальность, эта реальность уже по происхождению и природе -креативна, благодаря этому человек перестает быть «одномерным» существом.

Музыка вступает в плодотворное взаимодействие с другими сферами человеческой деятельности. Обычно масштабное произведение в сфере музыкального творчества отличается концептуальностью, является своеобразной формой осмысления духовной жизни современной эпохи. Являясь креативными продуктами особой значимости, такие произведения не редко новационны. Для многих выдающихся художников ХХ-ХХ1 вв. новаторство является неотъемлемой потребностью, преимущественным способом выражения жизненной позиции. Композитор-новатор стоит перед опасностью быть не понятым обществом. Люди искусства, как творческие личности, часто раньше других обнаруживают тенденции развития общества и культуры, опережая время, а может быть, и предупреждая о возможных последствиях. По мнению А. Шнитке, «.композитор, как и всякий человек, — прибор, реагирующий

на жизнь и дающий о ней довольно точные показания»7. Творчество художника всегда фиксирует дух времени, что проявляется в самом характере его произведений. Очень часто для сохранения целостности своего духовного мира композитор вынужден идти «против течения». Становление и развитие художника через духовное сопротивление окружению — есть в высшей степени проявление его внутреннего Я.

С. Губайдулина, А. Шнитке — ярчайшие представители современной культуры, композиторы-новаторы, создатели уникальных музыкальных произведений как креативных продуктов. Г. Демешко обращает внимание на экстрамузыкальную проблематику этико-философского плана в концертных опусах А. Шнитке и С. Гу-байдулиной. Сам материал, сама звуковая реальность в их произведениях проявляет себя как «непосредственно творящее, креативное начало»8.

Альфред Шнитке — гений русской и мировой музыки, ставший интеллектуальным маяком поколения конца XX в. Утверждение индивидуальных позиций в калейдоскопе сменяющихся направлений и стилей требовало от него особой смелости.

A. Шнитке были свойственны как верность классическому типу художественного мышления, так и поиск и создание нового универсального языка, новой концепции и многие другие открытия в музыке. В его руках полистилистика превратилась в эффективное средство для воплощения глубоких философских и экзистенциальных тем. С развитием жанра инструментального концерта у раннего Шнитке связан ключевой вектор его собственного стиля, в его творчестве концерт — это «состязание». Произведением, которое многие годы ассоциировалось с композиторской личностью Шнитке, была оратория «Нагасаки», где композитор наглядно показал трагедию бесчеловечного уничтожения жизни. Альфред Шнитке в своей музыке стал величайшим мыслителем, который уловил пульс эпохи.

В творчестве композитора Софии Губайдулиной преломились тенденции XX в., что существенно повлияло на музыкальную культуру и культуру в целом.

iНе можете найти то, что вам нужно? Попробуйте сервис подбора литературы.

B. Холопова отмечает, что «у одного лишь композитора в одном лишь десятилетии конца XX в. мы имеем дело с существенно изменившейся, по сравнению с традицией, культурной парадигмой: музыка заметно преобразовала свою культурнодуховную функцию»9. Стиль С. Губайдулиной невозможно отнести к какому-либо конкретному направлению. Основными лейтмотивом ее творчества стали идеи-образы Бога-вечности, вселенной-творения, апокалипсиса-расплаты. Музыкальное мышление композитора проникнуто философскими, религиозными и природнокосмическими ощущениями бытия. Будучи религиозным человеком, С. Губайдулина не ограничивалась рамками одной конфессии, ей были близки многие религии. Она всегда шла по пути культурного сближения, поиска общих оснований различных верований, философских учений, как западных, так и восточных.

Музыка играет в жизни современного человека колоссальную роль. Искусство (в том числе музыка) служит средством налаживания связей между культурами. Музыка способствует формированию целостности, духовности человека, а музыкально-творческий потенциал становится источником энергии, направленной на развитие феноменов культуры.

Согласно одному из многочисленных определений, культура есть способ материальной и духовной деятельности человека и изменение его через результаты этой деятельности10. Исходя из этого, мы можем заключить следующее: творческая личность, развивая, преобразуя себя, преобразует и окружающий мир, при этом креативность выступает главным генератором преобразования в культуре, как на личностном, так и на надличностном уровнях. Креативность музыкального бытия связана со способностью выхода человека (креативной личности) в новую креатив-

ную реальность (креативную среду), созданную им самим в процессе творческой деятельности. При этом рождается креативный продукт, которым является и произведение искусства, и сам человек.

Примечания

1 Яковлев, В. А. Философские принципы креативности / В. А. Яковлев // Вестн. Моск. ун-та. — Сер. 7, Философия. — 1999. — № 5. — С. 99.

2 См.: Современная западная философия : словарь. — М. : Политиздат, 1991. — С. 136.

4 См.: Левин, Л. И. Музыка в системе культуры как актуальная проблема / Л. И. Левин // Музыка : обзорная информ. Вып. 3. — М. : Гос. б-ка СССР им.

В. И. Ленина, 1984. — С. 16.

5 См.: Мазель, Л. А. О природе и средствах музыки / Л. А. Мазель. — М. : Музыка, 1989. — С. 65.

6 Лосев, А. Ф. Избранные сочинения / А. Ф. Лосев. — М. : Правда, 1991. — С. 227.

7 Григорьева, Г. Шнитке — теоретик, публицист, критик / Г. Григорьева // Альфреду Шнитке посвящается. — М. : Композитор, 2003. — С. 43.

9 Холопова, В. Н. Концепция творчества Софии Губайдулиной / В. Н. Холопова // Музык. акад. — 2001. — № 4. — С. 13.

10 См.: Кривцун, О. А. Эволюция художественных форм : культурологический анализ / О. А. Кривцун. — М. : Наука, 1992. — С. 29.

Культовое американское музыкальное издание «Decibel” в 2018 году опубликовало результаты собственного исследования о самых популярных направлениях музыки 21 века на основе живых опросов людей. В основе исследования лежало изучение количества проданных треков и альбомов музыкантов и исполнителей конкретных жанров за период 2015-2018 годов. Примечательно, что за основу были взяты цифровые продажи(свыше 62% от общего числа продаж), ведь приобретение музыки на носителях охватывает всего 30% рынка. Большинство меломанов предпочитает слушать музыку онлайн или подгружать на свои устройства.
Теперь конкретно о результатах изучения. Удивительно, но первая пятерка выглядит вот так:

• Рок
• Альтернативная музыка
• R&B
• Кантри
• Метал

Интересен тот факт, что доминирует музыка, где используются живые инструменты, и в частности гитара. Это выглядит странновато учитывая эпоху искусственных ритмов и тягу слушателей к простым мелодиям. Тем не менее факт остаётся фактом. Интересно и то, что в первой пятёрке не фигурирует поп музыка, скорее всего в силу размытости, неоднозначности данного направления, иначе быть ей как минимум в первой тройке.
Понятно, что рок и альтернатива, которые лидируют в списке самых популярных направлений музыки 21 века также не являются узкоспециализированными жанрами, обросли множеством чёрт, собственными видениями жанра, поэтому субъективизм в равной доле присутствует и здесь.

Рок-музыка собрала в общей сложности свыше 94 – 95 млн. проданных альбомов за год. Феноменальные цифры на злобу дня и тем кто считает, что настоящий рок умер еще в 70-е года 20 века. Столь высокая популярность нынешней рок музыки связана в первую очередь с сильной трансформацией жанра, включением в него множества дополнительных элементов. Несмотря ни что рок музыка процветает и приносит миллионы исполнителям.

Альтернативная музыка пережила свою пиковую популярность в начале – середине 2000-х годов. Тем не менее и сейчас эта музыкальная ниша в тренде. 52 миллиона проданных дисков говорят сами за себя, поэтому заслуженное второе место. Людям нравится музыка на стыке пограничных жанров, совмещающаяся в себе различные тенденции и направления.

R&B жанр набрал 49 млн. проданных альбомов за год. Несмотря на то что здесь в основном фигурируют отдельные треки и синглы, исполнители подобной тематики популярны в массах, хотя пик волны продаж остался в прошлом.

Кантри музыка несмотря на специфику стиля до сих пор возглавляет многие
чарты в США, Канаде. Именно на долю этих стран приходится более 64% всей кантри музыки. За год было зафиксировано 43 миллиона проданных дисков, что лишний раз указывает на то, что спрос в этой нише по-прежнему высок.

Метал расположился на пятой строчке среди популярных направлений музыки. На его долю приходится чуть более 28 миллионов проданных альбомов ежегодно. В основном это heavy, modern metal, и как ни странно death metal. Примечателен тот факт, что наибольшее число поклонников тяжёлой музыки и продаж приходится на страны с высоким уровнем жизни. В первую очередь это Германия, Швеция, Финляндия, США.

Рэп расположился на шестом месте среди популярных ныне музыкальных направлений. Причём он практически догнал метал. На долю ежегодных продаж рэп альбомов приходится 27 миллионов. Разница только в слушателях: наибольшая популярность этого жанра отмечается в развивающихся и бедных странах, либо контрастных государствах. Яркие примеры здесь США, Россия, Бразилия.

Христианская музыка расположилась на седьмом месте по популярности среди меломанов. Это как христианский рок, так и религиозные песнопения, современные аранжировки церковных богослужений. Наибольшее число продаж на подобный контент приходится в странах Латинской Америки, США, Германии. За год продаётся около 19 миллионов альбомов христианской направленности.

Саундтреки. Жанр саундтреков к играм, фильмам стал отдельной и популярной индустрией, особенно для молодых поколений взращенных на эталонах своего времени и места. Кроме того отдельные примеры саундтреков стали новой вехой в развитии музыки, породили последователей и даже отдельные успешные проекты, которые стали культовыми в своей среде. В общей сложности за год продаётся 12 млн. альбомов в этом жанре.

Латинская музыка. Держит планку популярности в районе 10 млн. проданных ежегодно альбомов. Любовь к латинским карнавалам, праздникам прочно заняла своё место, и несмотря на локализацию данного продукта в странах Латинской Америки его любят по всему земному шару. Цифры статистики очевидно подтверждают это.

Электронная музыка. Эпоха ebm, trance, techno, disco, synth pop, break beat ушла в прошлое. Сегодня это отдельные представители электронной сцены, локальные фестивали и площадки для истинных поклонников. Масштаб продаж электронной музыки составляет 8 миллионов альбомов за год.

В целом ситуация по музыкальным предпочтениям понятна: большинство людей предпочитает отобранный и популярный контент, где есть хиты, простые мелодии, запоминаемость. Это работало и будет работать на любого исполнителя, в каком бы стиле он не творил. Тем не менее метал не потерял своей актуальности, уважения. Продолжает развиваться и двигаться дальше по ветке эволюции. Очевидно, что он никогда не станет выбором большинства меломанов в силу своей неоднозначности, сложности.

Для музыки начала ХХ столетия характерно разнообразие тенденций, стилей и языка. Музыкальное искусство того периода полно новаторских идей. Одной из особенностей музыкального языка начала века стало обращение к жанрам, характерным для эпохи барокко, классицизма и позднего Возрождения. Усилился интерес к фольклору (С.В. Рахманинов, М. Равель).

Предшественниками новых течений были Р. Вагнер, Г. Малер, К. Дебюсси, заложившие своим творчеством основные принципы музыки ХХ в.

И.Ф. Стравинский, Б. Барток, А. Шенберг – триада композиторов-модернистов, чье творчество стало основой для всей музыкальной культуры столетия.

Музыкальный экспрессионизм развивался в 1920–1930-х гг. ХХ в. Творчество композиторов ХIХ в. Р. Вагнера («Тристан и Изольда») и Р. Штрауса («Саломея») послужило исходной базой для нового направления. В противовес классическим и романтическим идеалам с их идеализированным восприятием, экспрессионизм привнес в искусство трагическое отношение к окружающему миру. Истоками экспрессионизма являются проблематика отчужденности человека, окружающее его зло, символика грядущей войны. В противовес бездуховной жизни экспрессионизм выражает веру в духовные силы человека, запредельность его сознания, пророчества и познание интуитивной истины. Зародился экспрессионизм в первое десятилетие ХХ в. в Германии. Самыми известными мастерами жанра являются А. Шенберг, А. Берг, А. Веберн. После Второй мировой войны экспрессионизм получил дальнейшее развитие в авангардизме.

Авангардизм окончательно расстается с тональной музыкой. В жанре нет единых идейных платформ, можно говорить только о группах, использующих те или иные приемы звучания. Новые формы требуют подготовленного слушателя, авангардизм является наиболее отчетливо выраженным образцом элитарной культуры. В середине ХХ в. была популярна т.н. «конкретная» музыка, представляющая собой запись различных шумов окружающего мира, часто искусственно деформированных. Эксперименталь­ным звучанием обладала и запись человеческого голоса, искаженного многократными наложениями и «прокручиванием» пленки в обратном направлении. Жанр очень тесно связан с НТР, без использования электронной аппаратуры, синтезаторов трудно представить авангардизм. Композиторами, работавшими в этом жанре в России, были С.С. Прокофьев, М. Шнитке.

Первое десятилетие нового века было ознаменовано появлением русской балетной труппы в Париже под руководством С.П. Дягилева. Он сумел собрать лучших артистов (А.П. Павлова, В.Ф. Нижинский и др.), хореографов, сценографов. Всемирную известность и славу группе принесли постановки балетов И.Ф. Стравинского «Жар-птица», «Петруш­ка», «Весна священная». Эпоху в истории русского и мирового музыкального театра составила деятельность Ф.И. Шаляпина, Л.В. Собинова.

Советский период в музыке представляют имена таких видных композиторов, как А.И. Хачатурян, Д.Б. Кабалевский, С.С. Прокофьев, Д.Д. Шостакович. Они оказали огромное влияние на развитие музыкального искусства страны, были широко известны на Западе.

Вслед за этапом конца XIX в., когда сфера легкой музыки ограничивалась танцами и театрами варьете, в самостоятельное направление выделяется легкая или популярная музыка. 20‑е гг. – неоспоримое царство чарльстона и фокстрота. 30-е гг. – время широкого распространения свинга, господство джазовых оркестров Б. Гудмена и Г. Миллера. Джаз основан на интересе к чужим культурам. К этой стилистике относятся «Регтайм» и «Эбеновый концерт» И.Ф. Стравинского. В 40-е гг. в Европе торжествует французский шансон: М. Шевалье, Э. Пиаф. Все большую популярность завоевывают латиноаме­риканские песни и танцы.

В 50-е гг. зарождается новый стиль – рок-н-ролл. Его символами становятся Э. Пресли и Ч. Берри. В 1962 г. «Биттлз» предложили музыкальному рынку свой первый диск, обозначив начало новой музыкальной волны. Во второй половине ХХ в. в рок-музыке возникают такие направления, как хард-рок, хэви-металл и др. В 1980-х гг., когда стали преобладать электронные инструменты, складывается стиль «техно». Стилю поп-рока сопутствовала музыка более мелодичного склада (Ф. Синатра, Х. Иглесиас, группа «АББА» и др.). Рок-музыка не ограничива­лась песнями. В ней присутствуют и крупные формы – композиции в жанре арт-рок Р. Вейкмана, советская рок-опера «”Юнона” и «Авось”», программа «Стена» группы «Пинк Флойд» и др.

В СССР, начиная со времен «оттепели», наряду с официально разрешенной эстрадной музыкой получают развитие и полулегальные бардовские песни (Б. Окуджава и др.). «Классиком» этого жанра стал Владимир Высоцкий. Особую страницу в отечественную музыкальную культуру ХХ в. вписал русский рок 1970-80-х гг. Хотя молодежь в целом благосклонно воспринимала тогдашние ВИА (вокально-инструментальные ансамбли – «Песняры», «Синяя птица» и др.), гораздо большей популярностью у нее пользовались рок-группы «Машина времени», «ДДТ», «Аквариум», «Кино» и другие представители музыкальной контркультуры.

Сегодня легализация русского рока не привела к его победе над эстрадой. Главным итогом «гласности» в области популярной музыки стало господство т.н. «попсы» (по крайней мере, на радио и телевидении). На Западе в начале XXI в. в этой области также наблюдается определенный застой, показателем которого можно считать моду на римейк. Пока создать что-то принципиально новое не удается.

Как видим, музыка является важным компонентом культуры. Она возникает на заре человечества и сопровождает его на всех этапах жизни.

2000–2005 годы: конец эры ню‑метала, R&B‑поп и MTV

В начале 2000‑х продолжали существовать жанры из 1990‑х. В тяжёлой музыке таким стилем был ню‑метал. Самыми яркими работами в то время можно назвать альбом Iowa группы Slipknot и Untouchables от Korn. Тем не менее ню‑метал доживал последние благополучные годы: совсем скоро эти и подобные им коллективы либо подстроились под меняющиеся предпочтения слушателей, либо пропали с радаров.

Музыкальные вкусы значительно определяли радио и ТВ, особенно канал «MTV Россия». Именно благодаря ему наши слушатели так полюбили группы Linkin Park, Evanescence, HIM и The Rasmus.

В мире был популярен поп‑панк. MTV выступал проводником музыки Blink 182, Sum 41 и ранней Аврил Лавин.

«Наше радио» под руководством Михаила Козырева определяло русский рок нового десятилетия — примерно такой же, который любители жанра слушают до сих пор. Почитателей нашло творчество «Сплин», «Би‑2» и «Короля и Шута» — в начале 2000‑х эта музыка была особенна популярна у вчерашних поклонников группы «Кино» и «Наутилуса». Одна из главных звёзд эпохи — Земфира.

Серьёзные изменения происходили в поп‑музыке: распались главные бойз‑бенды 1990‑х и пришла мода на R&B и соул. На MTV звучала Cry Me a River — её исполнял Джастин Тимберлейк, только покинувший группу ‘N Sync.

Не менее успешно смешивали традиции R&B и поп‑музыки такие исполнители, как Крэйг Дэвид, Ашер и недавно начавшая творческую карьеру Рианна. В 2003 году Бейонсе Ноулз из Destiny’s Child выпустила дебютный сольник Dangerously in Love.

Второй хит альбома после Crazy In Love — Baby Boy. И тут можно проследить тенденцию: в поп‑музыке всё чаще стали встречаться черты восточной этники и реггетона — жанра, основанного на регги и популярного в Латинской Америке. Мода на этот синтез стилей сохраняется и сейчас: в жанре латиноамериканский поп пачками пишутся гимны для футбольных чемпионатов, а хиты вроде Despacito уверенно занимают верхушки чартов.

Главные отечественные поп‑звёзды того времени — скандальный дуэт t.A.T.u. На их счету набитый хитами альбом «200 по встречной», несколько популярных клипов и третье место на «Евровидении‑2003».

Хип‑хоп в 2000‑х ещё не успел стать самым прогрессивным жанром, но всё же был популярен. Главные западные рэперы для нашего слушателя — Jay‑Z и Эминем. Отечественные — Децл, «Каста», «Многоточие».

Главные альбомы

• Slipknot — Iowa.
• Linkin Park — Meteora.
• System of a Down — Toxicity.
• t.A.T.u. — «200 по встречной».
• Muse — Origin of Symmetry.
• Земфира — «Прости меня моя любовь».
• Бейонсе — Dangerously In Love.
• Джастин Тимберлейк — Justified.
• Эминем — The Marshall Mathers LP.
• Green Day — American Idiot.

2006–2010 годы: эмо и мода на англоязычную инди‑музыку

Время последней массовой субкультуры — эмо. Её представители находили друг друга по значкам, ска‑шашечкам на одежде, бутылке слабоалкогольного напитка в руке и, самое главное, по определённой музыке в плеере.

Эта музыка не имела ничего общего с эмо предыдущих эпох (сам термин появился ещё в 1980‑х). У жанра есть множество ответвлений, но эмо‑музыка 2000‑х строилась на мелодичных распевах, чередующихся с экстремальным вокалом, и тяжёлых гитарных риффах. Начало тенденции было положено ещё в первой половине 2000‑х такими группами, как Alexisonfire, The Used и Thursday, но полностью жанр раскрутился к 2007 году, ставшему мемом.

На MTV тогда можно было услышать менее экстремальные группы, например My Chemical Romance или Fall Out Boy.

Отечественная музыка же стала уходить в народ благодаря каналу A‑One, CD‑сборникам «Море эмоций», субкультурным концертам и первому широкополосному интернету. В плейлистах эмо-кидов играли «Оригами», Amatory, Jane Air, Stigmata, «IdeЯ Fix», Marakesh и Tenkorr.

Эпоха эмо продлилась недолго: молодым людям быстро надоели тяжёлые гитары и слезливые тексты. На смену пришло инди — такое название получила более аккуратная, благополучная и танцевальная музыка. Для этого уже была подготовлена почва: вышли первые релизы Franz Ferdinand и The Killers. Их треки и стали первыми гимнами поклонников инди.

Вместе со стилем отечественные коллективы взяли и язык. Это привело к появлению отличных групп, звучащих «как будто не из России». К таким можно отнести On‑The‑Go, Tesla Boy и Pompeya.

Уильям Бивэн, более известный как Burial, выпустил в 2007‑м альбом Untrue. Этот релиз стал одним из толчков для возрождения дабстепа — жанра электронной музыки с характерными басами. Особенно популярным стал Skrillex — сольный дабстеп‑проект Сонни Мура, покинувшего эмо‑группу From First to Last.

В 2007‑м Mujuice представил альбом Cool Cool Death!, обозначивший музыканта как одну из главных фигур на отечественной электронной сцене.

Рождается витч‑хаус — мрачная электронная музыка с медленным темпом и глубокими басами. Родоначальники стиля вроде Pictureplane и Salem так и остались известны в основном интересующимся, но некоторые черты жанра перекочевали в музыку более популярных коллективов, например Crystal Castles.

Конец десятилетия в поп‑музыке проходил под знаком Леди Гага и её песен Poker Face, Paparazzi и Bad Romance. Тейлор Свифт выпустила кантри‑поп‑альбом Fearless, который до сих пор считается одним из самых успешных в её карьере. Бейонсе ворвалась на танцполы со своей Single Ladies, а Рианна — с хитом Umbrella.

Одной из ключевых фигур в хип‑хопе тогда становится Канье Уэст. Например, в своей самой эмоциональной работе 808 & Heartbreak он переосмысляет и окончательно легализует для рэперов всего мира использование автотюна — эффекта, меняющего тональность голоса.

2011–2015 годы: русский рэп в массах и новая русская волна

Пятилетие ознаменовалось смещением массового интереса от гитарной музыки к рэпу. Утвердились принципы рэпа новой школы: отказ от канонов в создании битов, использование эдлибов (например, «йак» и «эщкере»), связь подстилей жанра с модными атрибутами и нескончаемый поток фрешменов, которые предлагают свежий взгляд на музыку.

Продолжал набирать популярность и просачиваться в массовую музыку трэп — поджанр хип‑хопа, основанный на звуках драм‑машин, глубоких басах и тарелках‑хэтах. Появились различные стили электронной музыки, основанные на нём. Также влияния жанра ощутимы в поп‑музыке Леди Гага, Бейонсе и Кэти Пэрри.

Рэп начала 2010‑х в России принято ассоциировать с Oxxxymiron: в эти годы он выпустил первый полноформатник и два микстейпа, а также участвовал в первых баттлах. Своим появлением, музыкой, сопутствующими скандалами и панчами на Versus Мирон Фёдоров перевернул игру: теперь о рэпе услышали даже те, кто вообще не увлекался музыкой.

Альтернативный взгляд на хип‑хоп‑культуру показали клауд‑рэперы: A$AP Rocky представил релиз Live. Love. ASAP, а Yung Lean — свой дебютник Unknown Memory. Также вышла пара десятков альбомов Bones. На отечественной сцене появились и начали стремительно набирать популярность Pharaoh и Boulevard Depo.

Одной из главных фигур поп‑музыки эпохи стала Адель — британская певица, чей сингл Rolling in the Deep семь недель держался на первой позиции чарта Billboard Hot 100.

У Ланы Дель Рей вышел альбом Born to Die. Одноимённый сингл, а также треки Dark Paradise и Summertime Sadness стали ключевыми песнями начала 2010‑х.

Daft Punk вернулся после долгого перерыва с альбомом Random Access Memories. После его выхода французский дуэт вновь пропал с радаров, но Get Lucky стал одним из главных треков как 2013 года, так и всего десятилетия.

Также в это время начали говорить о феномене украинского попа. Иван Дорн, «Время и стекло», Луна, Quest Pistols — песни этих артистов попадали в отечественные чарты и влияли на образ всей русскоязычной поп‑музыки. Журналисты Esquire считают Почему лучшая поп‑музыка — на Украине, рейвы — в Тбилиси, а самые крутые клипы — в Казахстане , что это связано с исторической демократичностью украинских музыкальных радиостанций и медиа, а следовательно, с большим количеством исполнителей, готовых экспериментировать.

Один из главных гитарных альбомов начала 2010‑х — AM от Arctic Monkeys. Это уже не просто талантливая хулиганская инди‑музыка, а настоящий рок для стадионов — бойкий и интересный. Хитами стали треки Do I Wanna Know? и R U Mine?.

Также начало 2010‑х ознаменовалось выходом в свет героев интернета. Яркий пример — «Валентин Стрыкало». Проект начинался с напевов музыканта Юрия Каплана на веб‑камеру и публикации роликов на YouTube. Позже — полноценная группа, туры, клипы и всероссийский успех.

В независимой гитарной музыке к середине 2010‑х оформилась новая тенденция — возвращение к родному языку. Это касается многих жанров, но первыми обычно вспоминают новых адептов пост‑панка: «Буерак», Ploho, «Сруб», «Утро». Тенденция поддерживалась ещё существующим тогда медиа «Афиша‑Волна», а также пабликами «ВКонтакте»: Motherland и «Родной звук». Началась эра фестивалей местной музыки, таких как «Боль», «Ионосфера» и Moscow Music Week.

• Mujuice — Downshifting.
• Лана Дель Рей — Born to Die.
• Pharaoh — Dolor.
• Oxxxymiron — «miXXXtape II: Долгий путь домой».
• Motorama — Calendar.
• Иван Дорн — Co’n’dorn.
• Pompeya — Tropical.
• Кендрик Ламар — To Pimp a Butterfly.
• Адель — 21.
• Arctic Monkeys — AM.

2016–2019 годы: расцвет стриминговых сервисов и музыка во всём своём многообразии

Теперь музыку почти нельзя навязать с помощью радио и ТВ. Иногда достаточно просто загрузить трек на SoundCloud или видео на YouTube. Подобный сценарий привёл к успеху поп‑певицу Clairo и рэпера XXXTentacion.

Подобные случаи есть и в музыке России и СНГ. Удачное видео, пара упоминаний в медиа — и условный «Татарин» группы «АИГЕЛ» или «Рибки» Alyona Alyona становятся хитами.

Другой пример быстро взлетевшей звезды — Монеточка с альбомом «Раскраски для взрослых».

Забывать про артистов стали ещё быстрее. Так, например, случилось с «Валентином Стрыкало». Да и альбом от ещё недавно главного рэпера страны Oxxxymiron ждут куда меньше, чем три года назад.

Главная поп‑звезда нового поколения — Билли Айлиш. Подход к звуку, мелодичные хуки и лирика, построенная на рефлексии подростка, нашли отклик в каждой точке планеты, где вообще слушают поп‑музыку.

Ориентация на западные группы и английский язык в песнях отечественных коллективов не прошла проверку временем. Некоторые всё ещё продолжают работать в таком ключе, но популярность новой русской волны, появившаяся в середине 2010‑х, — явление более очевидное. Так, например, Tesla Boy теперь исполняет треки на родном языке, а одной из самых обсуждаемых в России и востребованных на Западе местных групп становится питерская Shortparis.

Демократичный интернет задаёт тенденции и в саунд‑продюсировании. Необязательно сидеть над релизом годами и оттачивать каждый звук. Например, дебютный альбом «Пошлой Молли» посчитали бы сырым в любое время, кроме нашего, однако это не помешало ему стать успешным.

Одним из самых популярных хип‑хоп‑проектов конца 2010‑х становится группа «Грибы».

Мы живём в интересное время, в котором существуют все жанры из прошлых десятилетий. Многие из стилей меняются, выходят из моды и возвращаются. При этом обозначать тенденции становится всё труднее: нет единого рупора, говорящего о том, что принято слушать сегодня. Интернет помогает выстрелить проектам, о которых ещё вчера никто не слышал, а значит, впереди только интереснее.

• Drake — Views.
• XXXTentacion — .
• Кендрик Ламар — DAMN.
• Tyler, the Creator — IGOR.
• Билли Айлиш — When We All Fall Asleep, Where Do We Go?.
• Монеточка — «Раскраски для взрослых».
• Канье Уэст — The Life of Pablo.
• The Weeknd — Beauty Behind the Madness.
• «Пошлая Молли» — «8 способов как бросить…»
• «Грибы» — «Дом на колёсах ч. 1».